A Form of MagicCurated by Benjamin Godsill

“Painting isn’t an aesthetic operation; it’s a form of magic designed as a mediator between this strange hostile world and us, a way of seizing the power by giving form to our terrors as well as our desires.” – Pablo Picasso

From time-to-time we all need some form of talismanic protection. As individuals, sure, but even as a collective, as a community, as a world aflame we need something greater than ourselves to protect us; perhaps from ourselves. We yearn for a connection to something beyond the work-a-day concerns of how much, when, who, and how. We yearn for a form of magic; a thrilling connection to the universe that supersedes our needs and substitutes them for genuine desires; something to hold and protect us in the deep dark night of contemporary life.

Art might be all affect and no effect, but maybe that isn’t, and shouldn’t be, what art is for – what it is for is no less important. Art can mediate and spiritually protect us from the hostile world, and that is what the varied practices in this exhibition do. Using different vernaculars of abstraction, these artists create moments of magic, a space outside of the logic of ourselves and our world, to posit ephemeral forms of knowing and being. The images, objects, and forms collected in this exhibition are not meant to be mediative. Many are rowdy and verging on violent. They do, however, require and allow the viewer to focus and to look. They invite participation and link us to a world larger and more interconnected than merely material.

A Form of Magic is what art can be, and what, collectively, the artists in this exhibition construct in various forms. Working across materials and idioms, but with a strong through-line of abstraction, the various practices assembled here show a steadfast commitment to new ways of being. For each of this intergenerational collection of widely exhibited practitioners, who range in age from 40 to 89, this is their first time being publicly exhibited in Mexico.

– Benjamin Godsill, May 2022

“La pintura no es una operación estética; es una forma de magia concebida como mediadora entre este extraño mundo hostil y nosotros, una forma de tomar el poder dando forma a nuestros terrores y también a nuestros deseos.” – Pablo Picasso

De vez en cuando, todos necesitamos alguna forma de protección talismánica. Como individuos, claro, pero incluso como colectivo, como comunidad, como mundo en llamas, necesitamos que algo más grande que nosotros nos proteja; quizás de nosotros mismos. Anhelamos una conexión con algo que vaya más allá de las preocupaciones cotidianas de cuánto, cuándo, quién y cómo. Anhelamos una forma de magia; una conexión emocionante con el universo que supere nuestras necesidades y las sustituya por auténticos deseos; algo que nos sostenga y proteja en la profunda y oscura noche de la vida contemporánea.

Puede que el arte sea todo afecto y nada de efecto, pero quizá no sea eso, ni deba serlo, para lo que sirve no es menos importante. El arte puede mediar y protegernos espiritualmente de un mundo hostil, y eso es lo que hacen las variadas prácticas incluídas en esta exposición. Utilizando diferentes lenguajes de la abstracción, estos artistas crean momentos de magia, un espacio fuera de la lógica de nosotros mismos y de nuestro mundo, para plantear formas efímeras de conocer y ser. Las imágenes, los objetos y las formas recogidas en esta exposición no pretenden ser mediáticas. Muchas de ellas son alborotadas y rozan la violencia. Sin embargo, exigen y permiten que el espectador se concentre y mire. Invitan a participar y nos vinculan a un mundo más amplio e interconectado que el meramente material.

A Form of Magic es lo que el arte puede ser, y lo que, colectivamente, los artistas de esta exposición construyen de diversas formas. Trabajando con distintos materiales y lenguajes, pero con una fuerte línea de abstracción, las diversas prácticas reunidas aquí muestran un firme compromiso con nuevas formas de ser. Esta es la primera vez que se exponen públicamente en México a cada uno de los artistas que componen esta verdadera colección intergeneracional, cuyas edades oscilan entre los 40 y los 89 años.

– Benjamin Godsill, Mayo de 2022

Peter Bradley (b. 1940, Connellsville, PA) is a painter and sculptor whose work is associated with the Color Field movement and considered an important influence on the New New Painters of the 1970s. He is further recognized for cutting the first racially integrated art show in the United States, The De Luxe Show, in 1971, which became a landmark moment in civil rights history. His work is widely collected by international institutions including the Museum of Modern Art (New York), the Metropolitan Museum of Art (New York), The Menil Collection (Houston) and the Dallas Museum of Art (Dallas).

Francesca DiMattio (b. 1981, New York, NY) makes paintings and sculptures that resolve and make barely legible traditional forms and objects of desire. She has been included in numerous exhibitions in the United States and Europe and is included in the collections of the Perez Art Museum (Miami); the San Francisco Museum of Modern Art; the Zabludowicz Collection (London); and the Rose Art Museum at Brandeis University (Waltham), among others.

Sam Gilliam (b. 1933, Tupelo, MS) is one of the great innovators in postwar American painting. He emerged from the Washington, D.C. scene in the mid 1960s with works that elaborated upon and disrupted the ethos of Color School painting. In addition to a traveling retrospective organized by the Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C., in 2005, Sam Gilliam’s work was the subject of solo exhibitions at the Museum of Modern Art, New York; The Studio Museum in Harlem, New York; Whitney Museum of American Art, New York; J.B. Speed Memorial Museum (Louisville, Kentucky); Phillips Collection, Washington, D.C.); and Kunstmuseum Basel, Switzerland (2018), among many other institutions. A semi-permanent installation of Gilliam’s paintings opened at Dia:Beacon in August 2019. His work is included in over fifty public collections, including those of the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris; Tate Modern, London; the Museum of Modern Art, New York; the Metropolitan Museum of Art, New York; and the Art Institute of Chicago.

Joanne Grenbaum (b. 1953, New York, NY) makes vibrantly colored, intuitively composed paintings, works on paper, and ceramics. Over the past twenty years she has exhibited widely at international venues including a 2008 mid-career survey at the Haus Konstruktiv in Zurich, and in 2018 at Tufts University, Boston, she mounted a comprehensive solo exhibition that subsequently traveled to the Otis College of Art and Design in Los Angeles. Her work resides in the permanent collection of many institutions, including the Hammer Museum (Los Angeles); the Museum of Fine Arts (Boston); and the Haus Konstruktiv Museum (Zurich).

Julian Lethbridge (b. 1947, Colombo, Sri Lanka) creates precise work of cerebral abstractions based on mathematical or natural principles. His work has been widely exhibited in the United States and Europe and can be found in the collections of The Metropolitan Museum of Art (New York); The Whitney Museum of American Art (New York); The Tate Gallery (London); The Art Institute of Chicago (Chicago); and The National Gallery of Art (Washington, D.C.).

Mindy Shapero (b. 1974, Louisville, KY) makes ribald paintings and sculptures of meticulous composition. She has shown widely in the United States and Europe in both gallery and institutional settings including at the Aspen Art Museum and the Hammer Museum (Los Angeles). Her work is included in the UBS Global Art Collection (New York); the Rubell Family Collection (Miami); the Orange County Museum of Art (Newport Beach); and the Hirshhorn Museum (Washington, D.C.), among others.

Trevor Shimizu (b. 1978, Santa Rosa, CA) is known for his beguiling paintings that vacillate between abstraction and representation, never resting. His works are witty and heartbreaking all at once. He has exhibited widely in the United States, Europe, and Asia. His work is included in the collections of the Whitney Museum of American Art (New York); the Aïshti Foundation (Beirut); the Detroit Institute of Arts (Detroit); K11 Art Foundation (Hong Kong); and the High Museum of Art (Atlanta).

Peter Bradley (1940, Connellsville, Pensilvania) es un pintor y escultor cuya obra se asocia al movimiento Color Field y se considera una importante influencia para los New New Painters de la década de 1970. Además, se le reconoce por haber montado la primera exposición de arte racialmente integrada en Estados Unidos, The De Luxe Show, en 1971, que se convirtió en un momento clave en la historia de los derechos civiles. Su obra está ampliamente coleccionada por instituciones internacionales, como el MoMA (Nueva York), el Metropolitan Museum of Art (Nueva York), The Menil Collection (Houston) y el Museo de Arte de Dallas (Dallas).

Francesca DiMattio (1981, Ciudad de Nueva York, Nueva York) realiza pinturas y esculturas que resuelven y hacen apenas legibles las formas tradicionales y los objetos de deseo. Ha participado en numerosas exposiciones en Estados Unidos y Europa y forma parte de las colecciones del Perez Art Museum (Miami); el San Francisco Museum of Modern Art; la Zabludowicz Collection (Londres); y el Rose Art Museum de la Universidad de Brandeis (Waltham), entre otros.

Sam Gilliam (1933, Tupelo, Mississippi) es uno de los grandes innovadores de la pintura estadounidense de posguerra. Surgió de la escena de Washington D.C. a mediados de los años 60 con obras que elaboraban y desbarataban el espíritu de la pintura de la Escuela del Color. Además de una retrospectiva itinerante organizada por la Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C., en 2005, la obra de Sam Gilliam fue objeto de exposiciones individuales en el Museum of Modern Art, Nueva York; The Studio Museum in Harlem, Nueva York; Whitney Museum of American Art, Nueva York; J.B. Speed Memorial Museum (Louisville, Kentucky); Phillips Collection, Washington, D.C.); y Kunstmuseum Basel, Suiza (2018), entre otras muchas instituciones. Una instalación semipermanente de las pinturas de Gilliam se inauguró en Dia:Beacon en agosto de 2019. Su obra figura en más de cincuenta colecciones públicas, entre ellas las del Musée d’Art Moderne de la Ville de París; la Tate Modern de Londres; el Museum of Modern Art de Nueva York; el Metropolitan Museum of Art de Nueva York; y el Art Institute of Chicago.

Joanne Greenbaum (1953, Ciudad de Nueva York, Nueva York) realiza pinturas, obras sobre papel y cerámicas de colores vibrantes y composición intuitiva. En los últimos veinte años ha expuesto ampliamente en lugares internacionales, incluyendo una encuesta de mitad de carrera en 2008 en el Haus Konstruktiv en Zúrich, y en 2018 en la Universidad de Tufts, Boston, montó una exposición individual completa que posteriormente viajó al Otis College of Art and Design en Los Ángeles. Su obra reside en la colección permanente de muchas instituciones, como el Hammer Museum (Los Ángeles); el Museum of Fine Arts (Boston); y el Haus Konstruktiv Museum (Zúrich).

Julian Lethbridge (1947, Colombo, Sri Lanka) crea obras precisas de abstracciones cerebrales basadas en principios matemáticos o naturales. Su obra ha sido ampliamente expuesta en Estados Unidos y Europa y se encuentra en las colecciones de The Metropolitan Museum of Art (Nueva York); The Whitney Museum of American Art (Nueva York); The Tate Gallery (Londres); The Art Institute of Chicago (Chicago); y The National Gallery of Art (Washington, D.C.).

Mindy Shapero (1974, Louisville, Kentucky) realiza pinturas y esculturas de composición meticulosa. Ha expuesto ampliamente en Estados Unidos y Europa, tanto en galerías como en instituciones, incluyendo el Aspen Art Museum y el Hammer Museum (Los Ángeles). Su obra está incluida en la UBS Global Art Collection (Nueva York); la Rubell Family Collection (Miami); el Orange County Museum of Art (Newport Beach); y el Hirshhorn Museum (Washington, D.C.), entre otros.

Trevor Shimizu (1978, Santa Rosa, California) es conocido por sus seductoras pinturas que vacilan entre la abstracción y la representación, sin descansar nunca. Sus obras son ingeniosas y desgarradoras a la vez. Ha expuesto ampliamente en Estados Unidos, Europa y Asia. Su obra forma parte de las colecciones del Whitney Museum of American Art (Nueva York), la Fundación Aïshti (Beirut), el Detroit Institute of Arts (Detroit), la K11 Art Foundation (Hong Kong) y el High Museum of Art (Atlanta).